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El viaje del tiempo en Umbrella Academy

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El final de la primera temporada de Umbrella Academy cerró la historia con un viaje en el tiempo en mitad de una hecatombe planetaria, una solución impactante que abrió varios hilos en paralelo al comienzo de su inmediata continuación. Los nuevos episodios nos muestran a los hermanos Hargreeves arrojado en un momento histórico distinto, lo que convierte al viaje en el tiempo no sólo en un elemento de crucial importancia, sino en el nudo principal del argumento de la historia.

No es la primera vez que la serie toma decisiones de considerable envergadura en las que el tiempo y sus variables cobran especial importancia. Desde el poder de Número Cinco y sus dolorosas consecuencias, pasando por los paseos de Klaus de un lado a otro de una serie de complicadas líneas temporales, hasta el mero hecho que haya un trasfondo que obtiene un poderoso significado gracias a las diferentes momentos temporales que se entrecruzan entre sí; Umbrella Academy crea y desdobla la realidad hasta sustentar su argumento en la percepción de la percepción como una idea ambigua.

De hecho, en el primer capítulo de la segunda temporada ya es evidente que los diferentes saltos temporales e interdimensionales terminan por crear realidades alternas que se sostienen entre sí desde un único punto de vista: la condición del anunciado apocalipsis desde varias percepciones y puntos de vista distintos. De modo que vale la pena hacer un análisis sobre cómo funciona el tiempo en la serie y, en especial, qué significado tiene toda la nueva presión sobre las líneas temporales que el argumento brinda al concepto en su segunda temporada.

Aquí y allá, todo es lo mismo

Desde sus primeros capítulos, Umbrella Academy deja claro que el futuro es un páramo árido y devastado por una colosal tragedia sin nombre, que Número Cinco — el miembro de la familia capaz de viajar a voluntad de un lado a otro del tiempo — descubrió casi por accidente. A medida que la trama avanza, es evidente que Cinco no sólo no controla del todo sus poderes, si no que además sus saltos temporales son accidentales y son parte de ese espacio inexplorado de su capacidad. Pero además de los evidentes cambios físicos, hay algo que la serie deja deslizar y es de considerable importancia: el viaje en el tiempo en Umbrella Academy también provoca — o parece que lo hace — cambios mentales. Después de todo, en cada ocasión que ocurre una situación de naturaleza cronológica, es evidente la desconexión, confusión y al final incluso, sacudón mental de cada uno de los personajes.

De modo que a diferencia de otros tantos escenarios (desde la ya clásica trilogía Regreso al Futuro de Robert Zemeckis, la compleja trama de Avengers Endgame, incluso hasta los oscuros y dolorosos hilos de tiempo en Dark), es evidente que en Umbrella Academy el tiempo es también una transición mental que provoca una consecuencia más allá del hecho de comprender el aquí y el ahora, algo notorio en la segunda temporada y que en la primera, se mostró en una inteligente mirada al sufrimiento de Klaus en cada ocasión en que estuvo de regreso en sus viajes temporales.

Mientras que en otros argumentos el viaje en el tiempo es de carácter externo — y la mirada del observador se sitúa para apreciar las singularidades de un contexto u otro —,  en Umbrella Academy el tiempo también es un estado mental, una percepción sobre el enorme contexto de la realidad y, en especial, la forma en que funciona como un mecanismo que, además, es mutable y forma parte de la manera en la que cada miembro de la familia se comprende a sí mismo.

El tiempo, la hecatombe, el futurible

Por ¿mucho? tiempo, Cinco estuvo convencido de que el apocalipsis no sólo era inevitable, sino que, además, cada uno de sus intentos por detenerlo podría desencadenar en otras tantas variables que conduciría a otro fin devastador, incluso sin ser el mismo en el que vivió en su salto sin retorno al futuro. ¿Se trata de un bucle de tiempo? Sí y no.

Como contexto para sus saltos temporales, la serie utiliza como base la teoría del abuelo, término que procede de la novela del ’43 Le voyageur imprudent del escritor de ciencia ficción René Barjavel. A grandes rasgos, la teoría sugiere que todo lo que ocurre en un hipotético viaje del tiempo, afecta el futuro pero, también, deconstruye la realidad a tal punto, de hacer el viaje ineficiente o carente de significado.

En otras palabras, el viajero podría volver a un pasado remoto o cercano, cambiar algunas líneas e intervenir el futuro, lo que sin duda transformaría la realidad, pero a su vez restaría importancia al recorrido como forma de encontrar un núcleo central que corregir. Un ejemplo usual es el tropo que con frecuencia se utiliza en varias historias de saltos temporales, en que el viajero mata a Hitler para evitar la Segunda Guerra Mundial, creando una especie de loop temporal infinito.

¿Esto es lo que ocurre en Umbrella Academy? La primera temporada parecía indicar que a pesar de las decisiones que Cinco tomara — o su conocimiento sobre lo que ocurriría — el apocalipsis se desataría, lo que al final ocurrió. Pero la nueva temporada demuestra que el tiempo — ese concepto mental con que la serie familiarizó a la audiencia — también es una serie de decisiones que alienadas como un hecho único, pueden provocar un cambio concreto en el futuro.

De hecho, todo indica que la línea del tiempo a la que Cinco llegó luego de su salto sin retorno al futuro era distinta a la que vivía, lo que explicaría la forma en que la realidad y el tiempo se desdoblan en los nuevos capítulos, algo que demostraría sin duda el primer capítulo de la segunda temporada. Así que lo más probable, es que el futuro no sólo dependa de comprender cuál es la línea original, sino también, de unir fuerzas para cambiar (y transformar) lo que sea que ocurra antes de la destrucción del mundo y que haga posible la supervivencia de la raza humana.

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Publicada originalmente en: Ir a la fuente
Autor: Aglaia Berlutti

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El huevo de pascua que podría sugerir qué diantres está ocurriendo en ‘WandaVision’

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La propuesta de WandaVision (Jac Schaeffer, 2021), primera serie del Universo Cinematográfico de Marvel con dos episodios disponibles ya en Disney Plus, es extraña como mínimo. Su formato de sitcom resulta desconcertante para los espectadores por el acostumbrado espectáculo de acción visto hasta ahora en las películas de la saga. Pero que decidieran escoger dicho formato se debe a la propia naturaleza del argumento, que involucra a Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen) y Visión (Paul Bettany). Y lo cierto es que nos han dejado otra pista sobre qué diantres está ocurriendo aquí en un inesperado huevo de pascua.

El vino de ‘House of M.’

Durante la disparatada cena con el señor y la señora Hart (Fred Melamed y Debra Jo Rupp) en casa de los protagonistas en el episodio uno, se sirve un vino muy curioso. Francés y ficticio para más señas. Maison du Mépris se llama, lo que se podría traducir como Casa de la Miseria y que en inglés sería House of Misery. O House of M, el título de una serie limitada de cómics con ocho números del guionista Brian Michael Bendis y el dibujante Olivier Coipel, publicada entre junio y noviembre de 2005. Fue un crossover de la series Planet X (Grant Morrison y Phil Jimenez, 2003-2004) y Avengers Disassembled (2004-2005).

wandavision disney plus house of m.
Disney Plus

En esta historia, Bruja Escarlata sufre una crisis nerviosa tras perder el control de los poderes con los que altera la realidad. En este trágico trance, su mente acaba fragmentada y termina transformando el mundo según los deseos íntimos de los superhéroes. De manera que, si lo del vino francés apunta a House of M. y esto implica alguna cosa para WandaVision, es posible que Westview sea la realidad idílica que Bruja Escarlata ha creado tras un colapso mental. Con una existencia tranquila, Visión vivo y vecinos amigables. Y esto también cuadra con el rebobinado voluntario cuando descubre al apicultor de SWORD en el segundo episodio. Lo que no resulta incompatible con que ese colapso hay sido producido por algún villano. Como la bruja Agatha Darkness.

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Publicada originalmente en: Ir a la fuente
Autor: César Noragueda

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Quién es el personaje que habla a través de la radio en ‘WandaVision’

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De momento, en muy pocas ocasiones se ha salido de su formato sitcom WandaVision (Jac Schaeffer, 2021), la primera serie oficial en el Universo Cinematográfico de Marvel estrenada en Disney Plus. Y, durante esas escasas veces que lo abandona, es para dar pistas sobre lo que está ocurriendo. Porque las circunstancias idílicamente televisivas que viven Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen) y Visión (Paul Bettany) en la localidad de Westview son muy sospechosas. Y, por que nos expliquen qué diantres pasa aquí, uno se tragará los nueve episodios con gusto. Por ejemplo, ¿quién es el personaje que habla a través de la radio?

En el capítulo dos de WandaVision, justo cuando la temible Dottie (Emma Cauldfield) estaba expresándole a Wanda Maximoff la desconfianza que siente por ella, de la radio surge una voz que se dirige inesperadamente a la protagonista. “¡Wanda! ¿Quién te está haciendo esto, Wanda?”, de dice. Lo que sugiere que la realidad en la que se encuentran Bruja Escarlata y Visión es algún tipo de engaño psíquico producido por algún villano. Teorías hay al respecto por lo que hemos podido ver en uno de los tráilers. Pero el caso es que se insiste en esta pregunta para la desconcertada Wanda al final del episodio, repitiéndola como un enigmático eco.

wandavision disney plus radio
Disney Plus

El veterano agente Jimmy Woo

La voz pertenece al actor californiano Randall Park (Aquaman) y, por lo tanto, quien se intenta comunicar con Bruja Escarlata es Jimmy Woo. Este personaje es uno de los más veteranos de los cómics, de la época en que a la editorial aún no se la conocía como Marvel. Fue creado por el guionista Al Feldstein y el dibujante Joe Maneely para el primer número de Yellow Claw (1956). Y, en el UCM, le hemos visto durante Ant-Man y la Avispa (Peyton Reed, 2018) como el agente de la condicional de Scott Lang (Paul Rudd). Así que, de algún modo, tal vez ha dejado el FBI y ahora trabaja para SWORD. No tardaremos en descubrirlo.

wandavision disney plus radio
Marvel Studios

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Autor: César Noragueda

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Jack Foley y el arte de crear efectos de sonido para el cine

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Si eres aficionado a la ciencia ficción, tienes claro que cuando ves una película de género, los sonidos que oyes son inventados. No existen las pistolas láser, ni las naves espaciales, y los robots del cine hacen mucho más ruido que los de verdad. Y qué decir del cine de terror, donde oímos los quejidos de los zombis o el exagerado sonido de un cuchillo destripando a su víctima. Sin embargo, no es tan frecuente saber que hasta un simple disparo o el cierre de una puerta en una escena dramática han sido creados, probablemente, en una sala de grabación estanca.

En el cine hay un equilibrio interesante entre la imagen y el sonido. El campo del sonido, a su vez, se divide en varios compartimentos, algo que explica muy bien el documental de 2019 Making Waves: The Art of Cinematic Sound y que en español se ha traducido como La magia del sonido en el cine. En dicho documental se hace una gráfica división del trabajo de grabación, edición y postproducción asociado solamente al sonido. Por una parte, la música. Luego tenemos las voces de los actores. Y, en último lugar, los efectos de sonido.

Y es en este apartado, en el de los efectos de sonido, donde se mezclan la tecnología y el arte para ofrecer una experiencia impensable si viéramos la grabación de una película sin haber sido editada posteriormente. Las voces de los protagonistas demasiado bajas, las constantes interrupciones de los sonidos ambiente… O sonidos flojos o inexistentes al suceder algo en pantalla que debería hacernos dar un salto en el asiento. Los efectos de sonido tienen una dura misión: realzar ciertos sonidos para que los escuchemos, anular otros para que no interrumpan y, en tercer lugar, crear sonidos de la nada.

Precisamente, dentro de los efectos de sonido existe un área muy concreta, los efectos de sala o efectos foley. Foley en honor a su inventor, el estadounidense Jack Foley, que ahorró millones de dólares al cine gracias a la grabación de efectos de sonido dentro de una sala de grabación en lugar de salir ahí fuera a intentar captarlos. El arte de generar un disparo, una explosión o un puñetazo de la nada, con ayuda de objetos que nunca asociarías a ese sonido.

La necesidad de reproducir el sonido real

Primero se oyen unos pasos. A lo lejos. Se van acercando. Luego un golpe en lo que imaginamos es una puerta. Oímos el pomo de una puerta girando y el característico gemido de una puerta mal engrasada abriéndose. Esta escena clásica que habremos visto en infinidad de películas en blanco y negro también se repitió innumerables veces en la radio.

En Estados Unidos, desde los años 30 del siglo pasado eran muy populares las radionovelas, en las que se representaban escenas donde no faltaban los efectos de sonido, muchas veces creados en directo. Personajes populares gracias al cine como Batman o Superman tuvieron sus propias radionovelas. En ellas, los efectos de sonido recreaban lo que hoy son básicamente efectos visuales generados por ordenador, pero donde también tiene su papel los efectos de sonido. Y si nos remontamos más en el tiempo, el teatro mismo fue pionero en recrear sonidos, como un trueno o el galopar de los caballos, algo imposible de generar dentro de un teatro si no era con efectos de sonido.

Efectos de sonido
Fuente: Smith Journal

Cuando llegó el cine sonoro, era inevitable que los efectos de sonido fueran parte importante del metraje, ya que no siempre era posible captar el sonido ambiente o determinados ruidos que eran claves para la trama argumental. Aquí entraban en escena, o mejor dicho, detrás de ella, los efectos de sala, que con el tiempo han pasado a llamarse efectos foley en honor a uno de sus principales impulsores, Jack Foley. Y a quienes realizan esos sonidos se les conoce como artistas foley. El apellido Foley hasta se refiere al lugar donde se graban estos sonidos, salas de efectos o en inglés foley-stage o foley-studio.

Muchos hemos jugado a crear efectos de sonido o lo hemos visto en películas o en televisión. Golpear unos cocos vacíos para imitar el galope de un caballo, hacer explotar un globo para imitar una explosión o un disparo, agitar papel de aluminio para reproducir el sonido de la lluvia o arrugar una hoja de papel para simular el crepitar de una hoguera. Hay infinidad de combinaciones, algunas de ellas visibles en vídeos de YouTube o en películas como Berberian Sound Studio, de 2012, protagonizada precisamente por un ingeniero de sonido dedicado al arte de los efectos foley.

Jack Foley en los efectos de sonido

Aunque no fue el primero en su haber, sí fue quien dejó una mayor marca en el cine. Más que nada porque Jack Donovan Foley estuvo allí desde el primer momento. En concreto, empezó a trabajar para Universal Studios en 1914, cuando el cine era mudo. Pero en cuanto se estrenó el primer título sonoro, todos los estudios vieron que era necesario subirse a ese tren.

El cantante de jazz, de 1927 y producida por los hermanos Warner, es considerada la primera película sonora de Hollywood. Dos años más tarde, Universal convertiría la película muda Show Boat a sonora. Es más, acabaría siendo un musical. Tras este primer trabajo sonoro de Jack Foley, llegarían muchos más. Y con la dificultad de grabar todos los efectos del tirón mientras se proyectaba la película en una pantalla. Por suerte, con el tiempo se podrían grabar los efectos de sonido por separado y luego montarlos junto a la imagen.

Si echamos un vistazo a su ficha de IMDb, veremos que no es muy extensa. Lamentablemente, la tarea de efectos de sonido no aparecía acreditada, algo que tardó mucho en corregirse. De ahí que veamos pocos títulos en su haber, aunque de la talla de Drácula de 1931, protagonizada por Bela Lugosi, o Spartacus de 1960, protagonizada por Kirk Douglas y dirigida por Stanley Kubrick.

Con todo, en la actualidad los efectos foley son imprescindibles en cualquier película, ya sea de superhéroes, ciencia ficción, terror, una comedia o un drama. Además, el proceso se ha digitalizado y modernizado. Al igual que en la radio se popularizaron las cintas con efectos grabados, hoy sonidos precargados que se lanzan en antena con un simple botón, el cine cuenta con catálogos ingentes de efectos de sonido que pueden rescatarse desde un buscador y aplicar a la pista de audio correspondiente en cuestión de segundos. Una tarea que se ha automatizado en gran parte pero que en pasado tuvo a grandes artistas recreando sonidos durante horas.

Otro gran artista foley conocido también como diseñador de sonido, director y doblador es Benjamin Burtt, Ben Burtt. A él le debemos los más de 800 sonidos necesarios para dotar de realismo al universo Star Wars desde su primera película, en 1977. Luego vendrían Invasion of the Body Snatchers (1978), la trilogía de Indiana Jones iniciada en 1981, E.T. (1982) o la más reciente WALL-E de 2008.

Pero su principal labor fue con la trilogía original de Star Wars, marcando las pautas a lo que vendría después. Con su trabajo de recrear sonidos imposibles de criaturas, naves y armas inexistentes, influyó a las películas que se rodaron en adelante. Sin embargo, técnicamente no podemos considerarlo un artista foley, pues su tarea de crear efectos de sonido partía de grabar sonidos de aquí y de allá. Con todo, sigue siendo parte de un colectivo que destaca en pantalla por su sonidos pero de quienes sabemos más bien poco.

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Publicada originalmente en: Ir a la fuente
Autor: José María López

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